Американские художники. 7 мастеров, удививших мир — все о живописи

17 современных художников, которые покорили нас в этом году

Среди множества современных художников, не перестающих удивлять своим талантом и фантазией, мы стараемся выбрать для вас настоящие произведения искусства.

1

Солнечное лето в полотнах «Моне XXI века»
Говард Беренс (Howard Behrens) — американский художник-живописец, которого заслуженно именуют Моне XXI века. И он чуть ли не единственный в своем роде, кто создает шедевры с помощью необычной техники «ножом по палитре», используя нож вместо кисти.

2

3

Каникулы в деревне от Роберта Дункана
Американский художник Роберт Дункан начал рисовать в 11 лет. Проводя каникулы на ранчо у дедушки с бабушкой в Вайоминге, он наблюдал за простым деревенским укладом жизни. Именно там Роберт и полюбил деревенскую жизнь и широкие открытые пространства.

4

5

Буйство красок Леонида Афремова
Художественный стиль Леонида Афремова впечатляет своей взрывной цветовой гаммой и необычной техникой исполнения. Цветовая палитра его картин выдает в художнике закоренелого оптимиста, всем сердцем влюбленного в окружающий мир.

6

7

Картины, от которых становится тепло и уютно на душе
Тепло детских воспоминаний — вот что ощущаешь, когда смотришь на работы современной грузинской художницы Нино Чакветадзе. Сама иллюстратор говорит: «Все мы вышли из детства, и этот факт заставляет меня снова и снова рисовать то, что пережила сама, что оставило след в моей душе».

8

9

Акварельные города Майи Вронской
Записки путешественника могут быть разными: фотографии, заметки, туристические открытки.

А вот молодая польская художница Майя Вронская (Maja Wronska) из своих путешествий привозит акварельные зарисовки.

Каждому городу, где ей случилось побывать, она рисует «портрет», изображая акварелью не только то, что можно увидеть глазами, но и чувства, эмоции, впечатления от увиденного и пережитого.

10

11

Экспрессивная романтика Алексея Чернигина
На большинстве картин Алексея Чернигина маслом на холсте запечатлены красота, романтика и мгновения истинных чувств. Свой талант и тягу к искусству Алексей унаследовал от отца — известного российского художника Александра Чернигина. Ежегодно они устраивают совместную выставку в своем родном Нижнем Новгороде.

12

13

Художник, который обманул наши глаза
Стиль, в котором рисует всемирно известный художник из Канады Роб Гонсалвес (Rob Gonsalves), некоторые называют сюрреализмом, но название «магический реализм» подходит ему куда лучше. Картины Гонсалвеса — это всегда волшебное объединение миров, незаметные метаморфозы, перетекание объектов из одной ипостаси в другую. Художник как бы намекает нам — все в мире взаимосвязано.

14

15

Волнующие картины Лоры Зомби
Картины Лоры Зомби — это соприкосновение наивного, доброго мира с жесткой реальностью. Впечатление от работ усиливается множественными подтеками краски и чернил, нечеткими контурами и линиями.

16

17

Пленительные картины испанского художника
Современный испанский художник Висенте Ромеро (Vicente Romero) потрясающе передает атмосферу легкости и игру света на своих полотнах. При взгляде на них кажется, будто вот-вот почувствуешь дуновение свежего ветра — как из открытого окна.

18

19

Дышащие акварели Сергея Крубатова
Сергей Курбатов — самобытный художник-акварелист. Особенность его техники заключается в том, что краска наносится на бумагу, предварительно смоченную водой. Уже написанный рисунок продолжает «жить» до полного высыхания.

20

21

Картины, на которых прошлое встречается с будущим
Художник Якуб Розальски (Jakub Rozalski) на своих полотнах создает атмосферу сказочного и захватывающего сна. Это настоящее путешествие в мир, где переплетаются прошлое, будущее и фантазия.

22

23

Яркие краски Ричарда Макнейла
Работы британского художника Ричарда Макнейла (Richard Macneil) — словно экскурсии по красивейшим городам мира. От них сложно оторвать взгляд: сочные цвета придают динамичности и погружают в атмосферу бурлящей городской жизни.

24

25

Акварели с ноткой питерской романтики
Саша Харитонова (Зеленая Лампочка) — молодая художница из Москвы, которая создает потрясающие атмосферные акварели. Ее герои искренни, их неподдельные эмоции, чувства и все тепло отношений мгновенно подкупают зрителей. Саша очень любит Санкт-Петербург, поэтому ее рисунки пронизаны романтикой этого чудесного города.

26

27

Уютные улочки Евгения Лушпина
Евгений Лушпин по праву считается одним из лучших российских художников современности. Для своих работ в качестве основы Евгений берет привычные городские пейзажи, придавая им некоторой иррациональности. В результате зритель погружается в реальный, но в то же время выдуманный мир, который вот-вот окажется под властью сумерек.

28

29

Чувственная красота глазами Даниэль Ричард
Работы канадской художницы Даниэль Ричард (Danielle Richard) запоминаются особенным светом: от них будто веет летними вечерами, прохладным ветерком на пристани и солнечным теплом. Поэтому каждая из ее выставок встречается публикой с теплотой и энтузиазмом.

30

31

Гиперреалистичные акварели английского художника
Художник Джо Фрэнсис Доуден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому. Секрет мастерства художника прост: он давно выбросил учебники по акварели и стал гулять по настоящему лесу, подмечая и наблюдая за каждой деталью будущего пейзажа.

32

33

Картины, которым позавидует сам Ван Гог
Художница Айрис Скотт (Iris Scott) рисует совершенно восхитительные картины, но делает это не с помощью кисти, как товарищи по цеху, а пальцами.

Пейзажи, девушки, похожие на нимф, город в лучах вечернего солнца, собаки в водяных брызгах — всё это состоит из десятков тысяч мазков-прикосновений художницы.

Так она и работает, чередуя короткие мазки с длинными, смешивая краску на руках, а затем непосредственно на полотне.

34

Источник: http://zefirka.net/2015/11/25/17-sovremennyx-xudozhnikov-kotorye-pokorili-nas-v-etom-godu/

Daniel F. Gerhartz. Американская современная живопись

Привет всем входящим наusenkomaxim.ru

   Сегодня замечательные работы одного из современных американских художников Daniel F. Gerhartz. Отличительной чертой его стиля является минимальная детализация картин. Свет, цвет, композиция, содержание.

В разборах своих работ он неоднократно упоминает о прищуривании глаз, которое помогает убрать из композиции лишнее и отвлекающее, акцентировав внимание на главном.

Обратите внимание

Шутливый портрет, кстати, взят именно из той статьи, где он демонстрирует на конкретных примерах эффект от прищуривания глаз. Коротко говоря о главном в художнике – на детали он закрыл глаз.

В его работах современная американская живопись обрела еще один отличный пример правильного преобладания живого чувства и сильной экспрессии над зачастую сухим техническим совершенством популярного ныне гиперреализма.

    Daniel F. Gerhartz  пишет маслом уже более двух десятилетий. Преподает технику живописи много лет. За основу методики он взял преподавание портрета, так как этот жанр требует точности воспроизведения натуры, и ученик должен отобразить именно то, что видит.

В противном случае, портрет не получится. При всех широчайших технических и стилистических возможностях воплощения портрета, он требует некоего минимума узнаваемости натуры. Ученик здесь обречен учиться, а не выдавать классическое «Я так вижу…». Daniel F.

Gerhartz акцентирует внимание своих учеников на том, что изначально очень важно пристально рассмотреть натуру, со всем вниманием изучить ее в деталях и целом, тогда последующие действия будут гораздо последовательнее и эффективнее, не будет растерянности пред множеством деталей.

Акцент на мысленной проработке будущей картины.

Биография и мысли Daniel F. Gerhartz

    Родился Daniel F. Gerhartz в 1965 году в Kewaskum, что в штате Висконсин. На сегодня там же и проживает со своей женой Дженифер и маленьким детьми. Интерес  Дэна к искусству возник в подростковом возрасте.

Вдохновение многие годы черпал в утолении своей жажды посещения выставок и музеев.

Вдохновлялся такими мастерами как Джон Сингер Сарджент, Альфонс Муха, Хоакин Sorolla, Карл фон Марр, Николай Фешин и многими другими из ряда французских и американских импрессионистов.

Важно

      Далее Daniel он окончил Американскую Академию искусств в Чикаго, и с тех пор многократно участвовал в различнх персональных и групповых художественных выставках по стране.

Завоевал несколько наград известных национальных и международных конкурсов.

и его ненасытный аппетит для музеев и современных мастеров, таких как Джон Сингер Сарджент, Альфонс Муха, Николай Фешин, Хоакин Sorolla, Карл фон Марр, а также целого ряда других французских и американских импрессионистов вдохновляли его.

    Смысл своего творчества Daniel F. Gerhartzвидит в передаче зрителю разнообразного широкого опыта человеческой жизни, который особо виден в  контрастах между жизнью и смертью, в радости и горе, в надежде и отчаянии. Но итоге он выводит тему Вечного, которое дает зрителю надежду. Ему всегда доставляли великое утешение слова Христа о том, что верующие в него будут жить вечно.

    Daniel пишет свои картины, вдохновляясь жизнью, всею красотой и многообразием мира вокруг. Этот мир настолько сложен и велик, что неизбежно приходят мысли о создателе. Daniel ссылается на Иогана Себастьяна Баха, который подписывал свои глубокомысленной фразой «Лишь Богу слава».

    Упоминание великого человека от музыки не случайно. Daniel  имел ее влияние с детства. Его отец, обладая баритоном, выступал во многих хоровых коллективах. Исполняли работы Брамса, Шуберта, Палестрина, пели Евангелия и различных церковных композиторов.

   Ребенком Daniel часто бывал на концертах отца. И сейчас он часто сравнивает живопись с музыкой, задается вопросами, что он взял из музыки для своего творчества и как передать чувство и гармонию музыки в красках.

       Daniel имеет особый интерес и признательность к современному русскому искусству и ценным полотнам таких русских художников-классиков как Николай Фешин, Исаак Левитан, Илья Репин. Ему нравится их творческая свобода, новизна и отсутствие крикливости в работах.

   Больше картин в хорошем качестве можно посмотреть в слайд-шоу размещенном ниже.

Другие материалы из этой категории:

Источник: http://usenkomaxim.ru/2012/11/17/daniel-f-gerhartz-amerikanskaya-sovremennaya-zhivopis/

Американская живопись – 5 (реалистические традиции в 20 веке)

В 1913 году Ассоциацией американских художников и скульпторов была организована первая большая Международная выставка современного искусства, Арсенальная выставка (Armory Show), в помещении оружейных складов Национальной гвардии на Лексингтон-авеню.

Она стала важным событием в истории американского искусства, вызвала разные эмоции: удивление, восхищение, возмущение, поклонение и полное неприятие у американской публики, привыкшей к реализму, в какой-то мере к импрессионизму, но не к тому авангардному европейскому искусству, которое она увидела на этой выставке.

1300 картин, скульптур и декоративных работ более 300 современных европейских и американских художников побывали не только в Нью-Йорке, но и в Чикаго и Вашингтоне.

В отзывах о выставке сыпались обвинения в безнравственности, непрофессионализме, безумии, шарлатанстве, многие работы называли карикатурами и пародиями на живопись, а Теодор Рузвельт сказал: «Это вообще не искусство!» Гражданские власти, однако, не вмешивались и не пытались закрыть выставку, а скандалы вокруг неё только способствовали успешной распродаже многих работ, которые сегодня можно увидеть в американских музеях, а МоМА (The Museum of Modern Art) так вообще можно считать наследником и продолжателем той первой выставки современного искусства. Она косвенно повлияла и на художников реалистического направления, а реалистические традиции никогда не умирали в Америке, она не только способствовала изменениям в технике рисунка, в тематике сюжетов, но и даже породила такие новые направления в живописи как, «магический реализм»* и его ответвление – «прецизионизм»**, характерные именно для американских художников, и рожденное в Америке художественное направление «регионализм»*** (или риджионализм). Вот о художниках, представителях разных направлений реалистического искусства Америки 20 века, мы и поговорим.

Читайте также:  «менины» веласкеса. о картине с двойным дном - все о живописи

Чарльз Берчфильд (1893-1967), один из самых выдающихся акварелистов Америки, писавший свои картины у мольберта в технике «сухой кисти», рано (уже к 1915 году) разработал свой неореалистический стиль, сочетающий модернистские тенденции, традиционную китайскую живопись и элементы фовизма.

На протяжении своей творческой жизни он менял направления и техники, писал пейзажи и картины на исторические сюжеты, сцены, наблюдаемые из окна его дома, и цветы, «галлюцинаторные», в духе магического реализма, виды природы и ее божественной силы. В его честь в 1966 году в Буффало создан Центр природы и искусств, названный «Берчфильд Пенни Арт-центр», включающий в себя также крупнейшую в мире коллекцию работ художника.

Реджинальд Марш (1898-1954), родился в Париже, в обеспеченной семье художников, был учеником Д.Слоана, известен прежде всего, как живописец и иллюстратор городских сцен, уличной жизни, пляжей Нью-Йорка.

Совет

Его картины отличаются документалистской тщательностью, пронизаны ироничной любовью к персонажам, он много рисовал для бурлеска и водевилей, считая их «театром простого человека, выражающим юмор и фантазии бедных, старых и некрасивых».Он работал в масле и тушью, акварелью, яичной темперой, а начинал свою творческую жизнь с литографии.

Его стиль можно характеризовать как «социальный реализм», особенно ярко проявившийся в годы Великой депрессии, а преданность старым мастерам, творчеству которых он поклонялся, привела к созданию работ, содержащих религиозные метафоры.

Незадолго до своей смерти от сердечного приступа Марш получил Золотую медаль графического искусства Американской академии искусств.

Ферфилд Портер (1907-1975) родился в семье архитектора и поэтессы, учился в Гарварде и Лиге американских студентов, всю жизнь придерживался реалистического направления, писал в основном пейзажи и портреты семьи и друзей, стараясь выявить необычность в обычной жизни, сделать ее красивее.

В его работах чувствуется влияние отца-архитектора, работ Веласкеса, а позже художников Боннара и Вюйара, он считал, что «импрессионизм способен живописно воссоздать присутствие реальности».

Возможно, отсутствие хороших учителей масляной живописи, настороженное отношение к чувственности и натурализму, присущее многим американцам тех лет, помогает объяснить несколько примитивный характер работ Портера, неловкость, скованность его фигур, их статичность. И только в поздних своих работах он начинает пересекать границу между импрессионизмом и фовизмом, его рисунок становится более свободным, краски ярче, а в его работах больше света.

Эдвард Хоппер (1882-1967) родился в Наяке, в центре яхтостроения на реке Гудзон, в зажиточной семье голландского происхождения. Художественный талант проявился у Хоппера уже в 5 лет, родители привили ему любовь к французскому и русскому искусству, поощряли его увлечение живописью и разнообразные интересы.

Хоппер работал пером и чернилами, углем, акварелью, маслом и в литографии, рисовал портреты и морские пейзажи, политические карикатуры и рисунки с натуры. В творчестве Хоппера угадываются влияния Роберта Генри, одного из его учителей, и Мане с Дега, Уильяма Чейза и Рембрандта, особенно его «Ночной дозор», а живя в Париже, рисуя сценки на улицах, в кафе и театрах, он оставался в традициях реалистического искусства, хотя некоторые исследователи относят его творчество к прецизионизму из-за характерных для его работ четких геометрических форм, механистичности, стерильности и пустоты пространства. Он говорил, что его «любимая вещь в живописи – солнечный свет на стене дома». Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художником – он продолжал ежегодно выставляться и хорошо продавался на протяжении всей последующей жизни. Его творчество оказало большое влияние не только на изобразительное искусство, но и на кино своими кинематографическими композициями и драматическим использованием света и темноты.

Пол Кадмус (1904-1999), представитель направления «магический реализм» объединил в своем творчестве элементы эротики и социальной критики,

приобрел скандальную известность благодаря откровенным гомосексуальным мотивам в своих картинах и изображению обнаженных мужских фигур.

Он родился в небогатой семье художника, отец поощрял занятия мальчика рисованием, в 14 лет он поступил на курсы при национальной академии дизайна, а затем и в Академию.

Он много путешествовал со своими друзьями, писал большие полотна, отображавшие его впечатления от Европы, рисовал многофигурные картины из жизни рыбаков, моряков, сцены городской жизни, а после знакомства с импресарио и балетоманом Кирстеном у Кадмуса появилось много работ на балетные темы, в основном изображавшие танцовщиков. Пол Кадмус прожил долгую жизнь и умер в возрасте 95 лет на руках у своего друга и постоянной модели, который был с ним рядом на протяжении последних 35 лет жизни. Кадмус любил повторять слова Энгра: «Люди говорят, что мои картины не подходят этому времени. Возможно, они ошибаются, и я единственный кто идет со временем в ногу».

Айвен (Иван) Олбрайт (1897-1983), один из самых известных представителей магического реализма, родился со своим братом- близнецом в семье художника.

Братья большую часть своей жизни были неразлучны, оба учились в Чикагском институте искусств, брат Малвин стал скульптором, а Айвен – художником, но начинал как архитектор, а во время Первой мировой войны выполнял для больницы в Нанте медицинские рисунки. Он всегда очень требовательно относился к своей работе, тщательно выписывая все детали и посвящая многие свои работы таким сложным темам, как жизнь и смерть, материальность и дух, воздействие времени на внешность и внутренний мир человека. Такая работа требовала много времени и поэтому продажи были редкими, многие картины оставались в его собственности. Олбрайт изготовлял собственные краски и угли, был одержим освещением до такой степени, что носил черную одежду и покрасил свою студию в черный цвет, чтобы предотвратить блики. Он писал в реалистичной, но преувеличенно детализированной манере, он любил наблюдать течения времени и написал более 20 автопортретов только в последние 3 года жизни, чтобы отразить изменения, происходящие в человеке.

Джордж Клер Тукер-младший (1920-2011), работы которого представляют направления соцреализма и магического реализма, родился в семье с англо-франко-испано-кубинскими и американскими корнями, по настоянию родителей изучал в Гарварде английскую литературу, но большую часть времени посвящал живописи.

После службы в морской пехоте, откуда был уволен из-за слабого здоровья, посещал курсы Лиги студентов-художников, много работал в технике яичной темперы, восхищался искусством времен итальянского Возрождения. Картины Тукера изображают сцены повседневной американской жизни, человеческие фигуры на них часто не имеют определенной расовой и сексуальной принадлежности, выражают одиночество, изолированность и анонимность. Он много внимания уделял соблюдению геометрических пропорций и симметрии, из-за этого очень медленно писал – не более двух картин в год. После его первой крупной выставки в 1951 году Тукер постоянно успешно выставлялся, его работы есть в крупнейших музеях Америки.

Петер Блуме (Питер Блюм) – (1906-1992), художник и скульптор, в работах которого есть элементы прецизионизма, пуризма, кубизма, сюрреализма и народного искусства. Он родился в России в еврейской семье, эмигрировавшей в Америку в 1912 году и поселившейся в Бруклине.

После изучения искусства в разных учебных заведениях он открыл собственную студию при покровительстве семьи Рокфеллера. Как и многие его современники-реалисты, он был поклонником Ренессанса, путешествовал по Италии, его первая картина, получившая признание в 1934 году — «Вечный город», в ней угадывается образ Муссолини, как чертик из коробки, выходящего из Колизея. Его работы, часто изображающие разрушение, тем не менее могут быть истолкованы как символы восстановления и обновления после Второй мировой войны, об этом говорят камни, новые балки, фигурки работающих людей. Художественный стиль Блуме представлял собой интересный гибрид разных художественных направлений американского и европейского искусства, его называют «художником сказочной повествовательности».

Эндрю Ньюэлл Уайет (1917-2009), представитель преимущественно регионалистического стиля в реализме, родился в семье художника-иллюстратора, внимательно относившегося к развитию талантов у своих пятерых детей, приучавшего их к хорошей литературе, музыке, изучению природы. Отец сам обучал дома своих детей, и все они были талантливы: художники, музыкант, композитор, изобретатель.

В их доме царила творческая обстановка, часто бывали знаменитости, такие как Скотт Фицджеральд и Мэри Пикфорд. Сам Уайет, как ни странно, считал себя абстракционистом, придавал большое значение осознанию глубинного смысла в простых объектах, любимыми темами его картин были земля и люди вокруг него. Самая известная его картина «Мир Кристины» изображает девушку с соседней фермы, ставшую инвалидом после полиомиелита, одиноко ползущую к дому вдалеке.Одной женщине Хельге Тесторф было посвящено 247 картин и рисунков, он изучал ее в различных условиях и эмоциональных состояниях, что является уникальным опытом в американском искусстве. Несмотря на то, что у Уайета много технически прекрасных произведений и у него было много последователей, искусство его считается спорным, а искусствовед Розенблюм охарактеризовал его как «самого переоцененного и недооцененного» художника.

Грант Вуд (1891-1942), один из самых известных представителей регионализма, родился в Айове, рано потерял отца, работал в магазине металлоизделий, учился в художественной школе, а потом в Чикагском художественном институте.

Молодой Грант 4 раза ездил в Европу для изучения живописных стилей, уделяя особое внимание импрессионизму и постимпрессионизму, но восхищался работами Ван Эйка и мечтал объединить в своем творчестве современные методы и ясность, четкость, глубину средневекового искусства. Недаром самая знаменитая его картина называется «Американская готика», она отражает традиционный еще для 19 века взгляд на роли мужчины и женщины в Америке, картина была принята неоднозначно, некоторые считали ее карикатурой, а газеты пародировали ее на разные лады. Позже, преподавая живопись в Университете Айовы, Вуд становится ключевой фигурой культурного общества университета, но из-за слухов о его гомосексуальной связи со своим личным секретарем Вуд был уволен и вскоре умер от рака поджелудочной железы.

Томас Гарт (Харт) Бентон (1889-1975) родился в семье политиков, его отец, полковник, адвокат и меценат, четырежды был избран в Конгресс. Отец хотел, чтобы сын шел по его стопам, но мальчика интересовало искусство, мать поддерживала его выбор, и он поступил в Художественный институт Чикаго, а потом уехал в Париж, продолжить обучение в Академии Жулиана.

Вернувшись в Америку, продолжая рисовать, он служил во время Первой мировой войны в ВМС США, работал над созданием камуфляжных образов кораблей и верфей, что требовало реалистического документального изображения и повлияло в дальнейшем на его стиль. В начале 20-х годов Бентон объявил себя «врагом модернизма», стал одним из ведущих представителей регионализма и придерживался «левых» взглядов. Он увлекся Эль Греко, влияние его творчества видно в работе над огромными фресками, отображающими разные этапы и события в жизни страны. Бентон преподавал в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, многие его студенты стали известными художниками (Хоппер, Поллак, Марш), но был уволен за осуждающие высказывания о чрезмерном влиянии гомосексуалистов в художественном мире. После Второй мировой войны регионализм как направление утерял свою актуальность, Бентон продолжал писать фрески, работал активно еще около 30 лет, но не имел уже былой популярности.

Читайте также:  "маха обнаженная" гойи. легенды о модели и заказчике картины - все о живописи

Джон Стюарт Кэрри (1897-1946) родился на ферме в штате Канзас, ухаживал за животными, увлекался легкой атлетикой, с детства был окружен репродукциями картин Рубенса и Доре, которые сыграли свою роль в последующем выборе им художественного стиля.

Джон учился в Институте искусств Чикаго, работал иллюстратором в журналах, провел год в Париже, изучая работы Курбе, Домье, Тициана и Рубенса. Вернувшись в США некоторое время работал в своей мастерской, путешествовал с цирком, был назначен первым художником в Университет Висконсин-Мэдисон, ездил по стране для содействия развитию искусства в фермерских общинах. Он выполнял роспись для Департамента юстиции в Вашингтоне и для Капитолия в Канзасе. Кэрри был одним из трех (Бентон и Вуд) столпов американского регионализма, который был особенно актуален в годы Великой депрессии. Он изображал сцены труда, семьи и земли, борьбы со стихийными бедствиями, чтобы продемонстрировать миру настойчивость, работоспособность и веру людей, что Кэрри считал сутью американской жизни. Если честно, меня не очень вдохновляют художники-реалисты вообще, с некоторым интересом я отношусь к творчеству только отдельных представителей магического реализма (Кадмус, Блуме, Хоппер), но в целом мне этот период в американском искусстве не близок, что поделать.Следующая и последняя часть будет посвящена современному американскому искусству. Окончание следует… Как всегда, слайдшоу, в котором гораздо больше картин и хорошая музыка:

* Магический реализм — Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма.

Обратите внимание

Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей, реальность скорее напоминала беспокойный сон или галлюцинаторный бред.

**Прецизионизм, или пресижинизм (англ. precision — точность, чёткость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, Главная тема — механистическая эстетика, пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нём нет человека.
***Риджионализм или регионализм (от англ. regional – местный) — художественное направление в искусстве США 1920-1940 годов, в основе которого лежало стремление создать подлинно американское искусство в противовес идущим из Европы авангардным течениям. Вдохновленные идеями национальной самобытности, художники-риджионалисты сосредоточились на изображении «подлинной» Америки. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов.

Ссылки: http://www.izostili.ru/index.php

http://en.wikipedia.org/wiki/Armory_Show
http://www.darkgrot.ru/cult/zhivopisy/article/643/
http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page
http://www.nbmaa.org/index.php?option=com_content&task=view&id=111

Источник: https://history-of-art.livejournal.com/792860.html

ТОП-7 самых дорогих художников современности

Содержание:

На сегодняшний день современная живопись набрала немыслимую популярность, поэтому стала известна не только своей тенденцией к расширению границ и исследованию новых выразительных средств, но и рекордными цифрами продаж на рынке современного искусства за последние несколько лет. Причем успехом пользуются художники практически со всего мира, от Америки и до Азии. Далее вы узнаете, чьи имена представляет лучшая современная живопись в мире, кто же он, самый дорогой современный художник, и кто чуточку не дотянул до этого звания.

Самые дорогие современные художники

Среди того несметного количества имен, которые насчитывает современная живопись, картины лишь определенных художников пользуются исключительным успехом.

Среди них самые дорогие картины оказались у известного неоэкспрессиониста и граффитчика Жана-Мишеля Баскиа, который, однако, погиб в возрасте 27 лет.

В нашем же списке вы увидите лишь первую семерку тех состоятельных художников, которые здравствуют и по сей день.

Брайс Марден

Работы этого американского автора довольно трудно классифицировать и привести к единому арт-направлению, хотя его часто относят к представителям то минимализма, то абстракционизма.

Но в отличие от художников в этих стилях, к чьим картинам будто бы никто никогда не прикасался, современная живопись Мардена сохраняет в себе мазки мастихином и другие следы его работы.

Одним из тех, кто повлиял на его творчество, считается другой современный художник Джаспер Джонс, имя которого вы еще встретите далее.

Среди работ этого автора можно увидеть полотна «Греческое лето», «Времена года», «Гидра», «Возвращение I» и множество других картин.

Цзэн Фаньчжи

Данный современный художник – одна из главных фигур китайской арт-сцены на сегодня.

Именно его работа под названием «Тайная вечеря», созданная по мотивам знаменитого произведения Леонардо да Винчи, была продана за 23,3 миллиона долларов и стала самой дорогостоящей картиной, которой может похвалиться современная азиатская живопись. Известными также являются работы художника «Автопортрет», триптих «Госпиталь» и живопись из серии «Маски».

В 90-е годы стиль его живописи часто претерпевал изменения и в итоге ушел от экспрессионизма в символизм.

Питер Дойг

Питер Дойг – всемирно известный шотландский современный художник, чье творчество пронизывает тема магического реализма. Многие его работы имеют свойство дезориентировать зрителя, даже когда они изображают узнаваемые образы вроде фигур, деревьев и зданий.

В 2015 году его картине «Swamped» удалось побить рекорд и получить звание самой дорогой картины современных художников из Шотландии, будучи проданной на аукционе за 25,9 миллиона. Популярны и полотна Дойга «Дом архитектора в лощине», «Белое каноэ», «Отражение», «Придорожная закусочная» и другие.

Кристофер Вул

В своем творчестве современный художник Кристофер Вул исследует различные постконцептуальные идеи. Наиболее известные современные картины художника представляют собой блочные надписи, изображенные черным цветом на белом полотне.

Подобные картины современных художников вызывают массу споров и недовольств среди приверженцев традиционной живописи, но, так или иначе, одна из работ Вула – «Апокалипсис», – принесла ему 26 миллионов долларов. Над заголовками картин Вул долго не думает, а называет их соответственно надписям: «Синий дурак», «Неприятности» и т. п.

Джаспер Джонс

Современный художник Джаспер Джонс известен своим бунтарским отношением к абстрактному экспрессионизму, который господствовал на арене живописи в начале карьеры художника. Более того, он работает, создавая дорогостоящие полотна с флагами, номерными знаками, цифрами и другими общеизвестными символами, которые уже обладают ясным значением и разгадывать их не нужно.

Кстати, в самые дорогие картины современных художников входит работа американца «Флаг», проданная на аукционе в 2010 году за 28 миллионов долларов. Можете также посмотреть на работы «Три флага», «Фальстарт», «От 0 до 9», «Мишень с четырьмя лицами» и многие другие.

Герхард Рихтер

Этот современный художник из Германии, как и многие живописцы в начале своего пути, обучался реалистичной академической живописи, но впоследствии увлекся более прогрессивным искусством.

В творчестве автора можно увидеть влияние многих арт-направлений XX века, таких, как абстрактный экспрессионизм, поп-арт, минимализм и концептуализм, но вместе с этим Рихтер сохранил скептическое отношение ко всем устоявшимся художественным и философским убеждениям, будучи уверенным в том, что современная живопись – это динамика и поиск. К работам художника относятся «Страна лугов», «Чтение», «1024 цвета», «Стена» и т. д.

Джефф Кунс

И, наконец, вот он – самый дорогой современный художник всего мира. Американец Джефф Кунс работает в стиле нео-поп и известен своим броским, китчевым и вызывающим творчеством.

В основном он известен как автор огромного множества современных скульптур, часть которых выставлялись в самом Версале. Но также среди работ художника есть и картины, за которые особые ценители готовы отдать миллионы долларов: «Колокол свободы», «Авто», «Девушка с дельфином и обезьяной», «Седло» и другие.

Источник: http://megapoisk.com/sovremennye-hudozhniki-samye-dorogie-avtory-v-mire

«Руссо и забытые мастера» — гении по наитию: выставка художников-самоучек в Германии

Музей Фолькванга в Эссене представляет интереснейшую выставку «Тень авангарда. Руссо и забытые мастера».

Художники-самоучки, работы которых по художественному, эстетическому богатству и силе выражения соперничают с лучшими работами художников-модернистов — в экспозиции представлены работы 13-ти мастеров наивного искусства, среди них Анри Руссо, Андре Бошан, Серафина Луи, Моррис Хиршфильд, Адальберт Трилхазе, Мишель Луи Элшемиус, Камиля Бомбуа, а также работы их знаменитых современников: Поля Гогена, Оноре Домье, Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Фенана Леже и других.

Первенство среди тех творцов, кто сам себя создал, конечно, отводится гениальному Анри Руссо. Глядя на его картины, Гоген восклицал: «Это истина и будущее. Это — настоящая живопись».

А вот критики, увидев работы Руссо на выставках Осеннего Салона в Париже, насмехались над ним, обвиняя в том, что тот нарушает абсолютно все правила живописи: «Месье Руссо рисует ногами с завязанными глазами» говорил один критик, другой замечал: «Я не видел ничего смешнее, чем портреты Руссо и „Звездная ночь“ Ван Гога». С тех пор многое изменилось, картины Руссо принесли ему бессмертие, а художник завоевал почетное звание отца современного искусства.

А.Руссо «Портрет Пьера Лоти», 1906

Пикассо был очень впечатлен искусством Руссо и называл его стиль «чистым». «Таможенник» Анри никогда не пытался делать то, что от него ожидали, понимая, что изобретает нечто невероятное — новый язык живописи. И, возможно, основатель наивного искусства на самом деле не был сам столь наивен?..

Футболисты
Нередко неизвестные творцы-самоучки становились мощным источником вдохновения для своих знаменитейших коллег Организаторы выставки включили ряд первоклассных произведений художников-модернистов, чтобы показать эту интересную параллель: «Идея в том, чтобы проследить эффект, который произвели „дилетанты“ на искусство, подобный тому, как блюз и джаз оказал на музыку ХХ века».Вашему вниманию — некоторые работы тех, кого сегодня назвали «тенью авангарда»Несмотря на то, что американец Мишель Луи Элшемиус (1846−1941) имел художественное образование, причем учился он у академиста Вильяма Бугро в Париже, его творчество относят к наивному искусству. Элшемиус был большим оригиналом: он мог написать 50 сонетов за несколько часов, комедию на 102 страницы за 26 часов и картину за 15 минут. Однако признание, которого так жаждал художник, к нему долго не приходило.Элшемиус объяснял это так: «Конечно, я не художник для общества, я богема и занимаюсь идеальным представлением природы, как Тернер, или великий символист Блейк».

Первым «открыл» художника в 1917 году Марсель Дюшан и сразу же пригласил принять участие в парижской выставке, после которой художника заметили. В 1920-е годы работы Элшемиуса начинает покупать крупный американский коллекционер Дункан Филипс. В 1927 году он приобрел картину «Самоа», этот романтический с фигурой напоминали ему любимого Коро и Иннесса. Картину он повесил на почетном месте в компании современных американских художников и их недавних предшественников: «Элшемиус должен висеть рядом с Хомером, Икинсом и Райдером, чтобы составить американскую группу из четырех шедевров, совершенно оригинальных и свободных от иностранного влияния».На выставке представлен еще один американский художник — Моррис Хиршфильд (1872−1946). Он родился в Польше, а в 18 лет вместе с семьей эмигрировал в Америку. Вместе со своим братом они открыли завод по пошиву женских костюмов и пальто, и дела шли довольно успешно. В 65 лет он ушел на пенсию и занялся тем, о чем мечтал в детстве — рисованием, и с утра до вечера проводил время в своей спальне перед мольбертом.Через несколько лет на его работы обратили внимание коллекционеры, а в 1941 году Музей современного искусства в Нью-Йорке купил две картины, и через два года провел персональную выставку художника. Однако в прессе появились разгромные рецензии…«Это была одна из самых ненавистных выставок, которую когда-либо устраивал Музей современного искусства». Страсти разгорелись до такой степени, что директора музея уволили.

Читайте также:  "мадонна литта" леонардо да винчи. необычные детали шедевра - все о живописи

Хершфильд достойно перенес свой «громкий успех» и продолжал писать картины. За свою девятилетнюю карьеру художника он создал около 70 картин.

Хиршфильд «Девушка в зеркале», 1940, х, м, 51,6×69,1, Музей современного искусства, Нью-Йорк

С именем французской художницы Серафины Луи (1864−1942) не связано никаких скандалов. Ее фантастические картины с изображениями причудливых деревьев и цветов пришлись по душе и критикам, и публике. Сегодня ее жизнь и творчество тоже в центре внимания, причем не только искусствоведов — о ее необыкновенной судьбе в 2008 году был снят фильм «Серафина», получивший семь премий Сезара.Ее жизнь была очень непростой: в семь лет девочка осталась сиротой, и первое время ее опекала старшая сестра, а затем Серафина 20 лет прислуживала в женском монастыре в Клермон-де-Уаз. Религия наложила на всю ее жизнь и вдохновила найти свое призвание в искусстве. Серафина покинула монастырь и начала работать экономкой в семьях в городе Санлис (поэтому часто художницу еще называют Серафина из Санлиса), а по ночам рисовала при свечах.

Важно

В 1912 году она начала работать в доме коллекционера Вильгельма Уде, он и заметил картины Серафины. Благодаря его поддержке и организованным выставкам Серафина стала признанным мастером наивного искусства. В 1932 году после приступа безумия ее поместили в клинику для умалишенных в Клермоне с диагнозом «хронический психоз».

Уде называл работы Серафины их «экстатической исповедью». Ее духовные поиски нашли выход в изображении райской природы, в то время как художница балансировала между экзальтацией и психическим заболеванием.

Вильгельм Уде — критик, коллекционер и арт-дилер, — сыграл важную роль в начале ХХ века для утверждения направления наивного искусства. Свою первую выставку в 1908 году он посвятил Анри Руссо. В 1920-е годы он содействовал мастерам-самоучкам Серафине Луи, Камилю Бомбуа и Андре Бошану, называя их творчество «Primitifs moderns».

Самую крупную выставку «Художники Священного Сердца» он организовал в 1928 году, называя своих подопечных «гениями от сердца и интуиции».Художника Адальберта Трилхазе (1858−1936) называли «немецким Руссо». Рисовать он начал, когда ему было 60 лет, после переезда в Дюссельдорф в 1919 году.

Его поддержала Иоганна Эй, арт-дилер и владелица кафе, в котором встречались ее протеже — художники Макс Эрнст и Отто Дикс (те ласково называли ее «Мамаша Эй»). В 1930-ее годы Трилхаза постигла та же участь, что и многих других немецких художников: нацисты объявили его искусство «дегенеративным» и запретили рисовать.

К счастью, сохранились 75 картин и 250 рисунков Трилхазе. Его любимыми сюжетами были темы из Ветхого Завета, художник постоянно читал Священное писание, размышлял и рисовал.Искусствоведы утверждают, что картины Андре Бошана (1873−1958) напоминают фрески кватроченто.

В 1921 году он выставил свои работы на Осеннем салоне и сразу стал популярным в жанре наивного искусства. Его знаменитыми поклонниками были Ле Корбюзье и Сергей Дягилев. В 1928 году русский импрессарио заказал художнику дизайн костюмов и декораций для балета «Аполлон Мусагет».

На выставке также представлены мастера живописи, фотографии и скульптуры:

— Билл Трейлор (Bill Traylor),

— Мирослав Тиши (Miroslav Tichý),

— Эрик Бодекер (Erich Bödeker),

— Мартин Рамирес,

— Блинки Палермо (Blinky Palermo),

— Майк Келли (Mike Kelley),

— Пола Модерсон-Бекер (Paula Modersohn-Becker).

Мартин Рамирес «Коллаж», 1952

Выставка «Тень авангарда» в Музее Фолькванга в Эссене приглашает познакомиться с необыкновенными мастерами до 10 января 2016 года.В новости использованы материалы и фотографии с сайта Музея Фолькванг www. museum-folkwang.de. Заглавная иллюстрация — картина М. Хиршфильда «Ангорский кот», 1937−1939, Музей современного искусства, Нью-Йорк

Источник: https://artchive.ru/news/1309~Russo_i_zabytye_mastera_genii_po_naitiju_vystavka_khudozhnikovsamouchek_v_Germanii

живопись | Оригинальное творчество талантливых и увлеченных людей — Part 10

«Североамериканская совка»

«Красный кардинал на ветке дерева»

 Том Митал  (Tom Mital) – американский художник – натуралист, создатель гиперреалистичных  картин птиц.  В течение последних нескольких лет художник сосредоточил своё внимание на птицах, обитающих  в  центральной части штата Орегона.

 Он  черпает своё вдохновение из дикой природы,  так как  живет далеко от города и имеет возможность наблюдать за дикой природой.  На это художник тратит большое количество времени, фотографирует, складывает снимки в альбомы.

Затем отбирает наиболее интересные изображения и пишет маслом на холсте.

Внимание к деталям,  захват выражения, отношение в дикой природе, лучше всего описывают его работы. С каждой новой картиной художник старается лучше понять, что он рисует, важность точности изображения конкретного предмета, его отношения к его окружению и создания правильной атмосферы и настройки.

 «Большая рогатая сова»

Читать далее Гиперреалистичные картины птиц. Художник Том Митал.

«Мой стиль – это жизнь, и мне очень нравится жизнь. Мой мотив – красота; Серенада и музыка – мой жизненный мотив.

 Мне нравится смешивать медиа, потому что искусство – это свобода, мои чувства, моя победа … Я не знаю, что я чувствую, когда рисую; я просто рисую свое настроение, ощущение, что глаз камеры не может поймать – какой-то особый, тонкий угол, который, возможно, другие не увидели бы ». М. Манукян

 Проводите интересно время в виртуальном мире вместе с друзьями.  Бесплатно  онлайн игры на двоих .

Мартирос Манукян является одним из элитных художников, чьи тысячи картин проданы по всему миру,  одним из самых успешных художников на Дальнем Востоке, в Японии, США и Европе, благодаря его видению, его страсти и  его универсальности. Мартирос Манукян участвовал во многочисленных международных выставках и получил множество престижных премий и наград.

Совет

 В настоящее время  Мартирос Манукян живет в Соединенных Штатах Америки, в городе Лос-Анджелес.

Мартирос Манукян родился в Армении, в городе Ереване, в 1947 году. Начал серьезно заниматься живописью в 11 лет,  был поглощен классической живописью, любил бродить по галереям и музеям, глядя на картины великих художников.

Окончил  Академию искусств в Ереване, также учился живописи в Москве и Ленинграде. Его первая выставка состоялась в 1972 году в Ереване.  В возрасте 26 лет был принят в Союз художников СССР. Принимал участие во многих выставках.

 В 1987 году  эмигрировал в США.

Читать далее “«Мой стиль – это жизнь…” Художник Мартирос Манукян

«Искусство – одна из немногих вещей в современном мире, которая полностью личная и оригинальная, и выражает то, что есть. Она может вдохновлять чувство, выражение и страсть в других. Это внутренняя ценность искусства».

Рекламное агентство  «Vformate» – команда профессионалов своего дела, которая предлагает интересные решения, чтобы  быстро и качественно воплотить вашу идею в готовое изделие.

 Брент Хейтон (Brent Heighton) – современный,  американский, профессиональный художник. Его карьера в области изобразительного искусства позволила ему путешествовать по всему миру в поисках приключений, образов и сюжетов для своего творчества.

Читать далее “Вдохновение может прийти в любую минуту”. Художник Брент Хейтон.

“Пылающий июнь” 1895 г.

“У источника”

Автопортрет.

Лорд Фредерик Лейтон  (Lord Frederick Leighton)— английский художник, яркий представитель викторианского академизма, в некоторых отношениях близкий к прерафаэлитам.

 Прерафаэли́ты — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

“Урок музыки”

Читать далее Художник Фредерик Лейтон.

Художница Галина Кряжева выполняет картины на заказ. Проводит индивидуальные уроки по скетчингу и маркерам, делится опытом, как  она нашла свой путь и воплощает свои мечты в реальность. Истории о жизни, творчестве и путешествиях…

Обратите внимание

 Говард Роджерс (Howard Rogers) – известный американский художник, иллюстратор, скульптор.

Свою карьеру в изобразительном искусстве он начал как успешный иллюстратор на Восточном побережье, работая над проектами для национальных журналов и книжных издательств. Затем переехал на запад США, где увлекся ландшафтами и сценами ковбойской жизни.

В настоящее время он является  общепризнанным художником, творчество которого известно во всем мире. Одна из сторон его творчества – лиричные портреты прекрасных женщин.

Читать далее Художник Говард Роджерс.

Не отказывайте себе в удовольствии созерцания великих художественных произведений,  уже сегодня   вы можете заказать тут репродукции картин на холсте любимых художников.

Дарон Мурадян – удивительный современный художник.  Все его работы вдохновлены армянской культурой, он комбинирует цивилизации Востока и Запада, и включает воспоминания о прошлом. Картины Дарона Мурадяна красочные, яркие, насыщенные множеством деталей, дарящие позитивное настроение. Художник сумел  талантливо и необычно воплотить свои фантазии на полотне.

Читать далее Впечатляющее искусство. Художник Дарон Мурадян.

Для людей желающих совершенствоваться и быть успешными, помогут  раскрыть в каждом  индивидуальность и талант занятия по актерскому мастерству на курсах для взрослых.

Audrey Kawasaki ( Одри Кавасаки) – американская художница, заслужившая любовь зрителей, благодаря  созданию  эстетически привлекательных женских образов.

Основная тема её творчества – внутренние противоречия,  стремление  понять свою индивидуальную идентичность в обществе.  Оригинальный и точный технический стиль Одри Кавасаки  сформировался  под влиянием как комиксов манга, так и модерна.

Важно

Ее графические изображения сочетается с натуральным узором  древесных плит,  на  которых она пишет темперой. 

Читать далее Тонкое выражение чувств. Художник Одри Кавасаки.

Ольга Ларионова – талантливый художник из Нижнего Новгорода, Россия.

 Она окончила архитектурный университет, по профессии    архитектор, работает  дизайнером интерьеров. Известность, как в родной стране, так и за рубежом   принесли ей её потрясающие гиперреалистические портреты и рисунки.

Она считает себя самоучкой, так как никогда не училась академическому рисунку.

Ольга Ларионова рисует с детства, рисовала в разных жанрах, разными материалами, много рисовала с натуры.  Но последние несколько лет увлеклась “гиперреализмом”. Сейчас это её  главная страсть в искусстве. В основном рисует простыми автоматическими  карандашами.  Работы Ольги Ларионовой трудно  отличить от фотографий и только ощущение души и руки мастера выдают истину.

Сейчас, благодаря новым технологиям широкоформатной интерьерной печати,  у вас есть возможность быстро и недорого получить картину  или собственное фото любого размера для любого интерьера. Печать фото на холсте в Минске: homeprint

Читать далее Гиперреалистические портреты Ольги Ларионовой.

Натали Монтель (Nathalie Montel) – современная французская художница. Родилась в 1967 году, в городе Лодеве. Её всегда привлекало искусство. Она обучалась в художественной  школе Fontblanche в Ниме, где изучала  живопись, скульптуру, дизайн ювелирных изделий.

 Затем продолжила своё образование  в Университете Париж 1 Пантеон Сорбонна. Несколько лет  занималась преподавательской деятельностью. В 2004 году Натали Монтель  открыла свою студию в Андузе , где она делит свое время между художественным искусством  и  проведением мастер – классов для взрослых и детей.

С 2006 года начинается  её сотрудничество с различными галереями и художниками.

Читать далее Яркая палитра жизни. Художник Натали Монтель.

Новые идеи – это всегда здорово! Ваш интерьер непременно украсят эксклюзивные шторы от дизайнера из Санкт- Петербурга, https://jl-decor.com,  по доступной цене.

Жан-Пьер Вейль ( Jean-Pierre Weill) экспериментируя в изобразительном искусстве,  разработал новый метод для составления и представления картин через серию изображений, нарисованных на стеклянных стеклах и подвешенных в рамке теневой коробки.

Совет

 Вейл назвал свой метод vitreography и этот термин стал его товарным знаком в 1992 году.  Витреография предлагает как художнику, так и зрителю дополнительную ось выражения и интерпретации через трехмерное пространство, создавая впечатление, что, изображенные предметы, двигаются.

 Витреографы Вайля были хорошо приняты, они успешно  продаются в сотнях галерей.

Читать далее ЗD картины на стекле. Художник Жан-Пьер Вейль.

Источник: https://vdohnovenie2.ru/category/tvorchestvo/zhivopis/page/10/

Ссылка на основную публикацию